水墨画的特点？(中国水墨画艺术特征分析)
(资料图)
在中国，绘画作为一种独立的艺术形式，与其他艺术形式有着明显的区别。
国画有自己明显的特点。国画不注重透视，不强调自然中物体的光和色的变化，不拘泥于物体外表的相似，强调作者主观意趣的表达。国画强调“以形传神”，追求一种“美在似与不似之间”的感觉:西洋画呢？它强调“以形式写作”。当然，在创作过程中，也注重“神”的表达。但它非常注重画面的整体性和概括性。有人说西洋画是“再现”的艺术，国画是“表现”的艺术，不无道理。
有些人真的很喜欢齐白石的花鸟虫画，但总说“人是我们描写的主要对象。我们要学习齐白石的创作方法，但不一定要学习他的花鸟虫画。”他们认为花、鸟、草和昆虫只是小玩意。没有实际意义，不能提倡。自从齐白石获得国际和平奖后，这种论调逐渐消失。那种认为绘画是政治形象或者是生活图解的观点，现在已经站不住脚了。所以，我们可以从中国画的艺术技巧谈起，来了解中国画的一些特点，对刚刚接触民族传统绘画的人可能会有所帮助。
齐白石花鸟画册
从艺术分支的角度来看，国画可以分为人物、山水、花鸟三个分支，主要以描绘对象的不同来划分。在国画中，动物和野兽，鞍马，昆虫，水果和蔬菜可以归为这三类。
中国绘画艺术历史悠久。她植根于中国文化的沃土，跨越不同的时代空，历经不同的阶段，形成了集民族文化素养、思维方式、审美意识、哲学观念于一体的完整艺术体系。她是世界艺术界的一朵奇葩，也是我们中华民族的瑰宝和骄傲。她所体现的艺术美表现了生命的深刻真理和宇宙意义的最高境界。在长期的历史发展中，中国画形成了其独特的艺术语言和审美特征。当然，五四以后西学东渐，现代中国画借鉴了西方写实主义的思想和技法，试图融合中西文化。而当代中国画也在不断创新，形式多样。然而，中国画的主要特征仍然没有改变。作者把中国画的主要艺术特征概括为以下五个方面，其中第一和第二个方面尤为典型和重要。
首先，用形式写上帝。昌大一
“形”是指外在的形象，“神”是内在的精神。中国画不满足于“形似”，而要求“神似”。早在约1000年前，东晋画家顾恺之就提出了“以形写神”的原则。相传他画人物数年，人问他为什么，他回答说:“四体美算不了什么；生动的写照，在一个街区的中间。”“阿杜”是六朝和唐代的常用语，相当于现代汉语中的“这个”，在这里表示“眼睛”。这句话指出，绘画的关键不在于对象的美丑，而在于“画龙点睛”，表现人物的内心世界或精神意境，使其“有情可达，感景而有心，受物启发”。顾恺之的“传神论”奠定了中国画以传神表现为核心的基本框架。
第二，线条造型，用笔精细墨妙。
它是中国画的主要表现手法之一，也是中国画的基础。远在2000年前的战国时期，丝织品上就出现了绢画。如湖南长沙楚墓出土的“龙凤”、“龙控”帛画，是迄今为止发现的最早的单幅绘画实物。两幅帛画都以引魂上天为主题，用毛笔绘制在丝绸材料上。之前有原始岩画和彩陶画。这些早期的绘画为后来的中国画以线为主要造型手段奠定了基础。
就解剖学知识而言，中国画谱和绘画理论对人体结构有过精辟的分析，公式简单，容易记忆。山水画有“远山无坡，远树无枝，远人无目”的提示。花鸟画非常注重花草树木的生长规律和动物的解剖结构。如果互生叶成对画，或者鸟的爪子前面画两个脚趾，前面画三个脚趾会闹笑话。但是我们在欣赏花鸟画的时候，关注的是花鸟的姿态，而不是解剖和透视。我在这里不是要为一些真的很烂的国画辩护，而是希望找出它们之间的关系，这样就不会问那么多原因了。
齐白石下
为了达到“形神兼备”，中国画家极其勤奋地观察生活，锻炼技法。五代山水画家郝静谈自己的“写宋万的真实”。齐白石从小就画草虫，到了七八十岁还在换画法。其中一幅画《虾》题为《白石衰年改革》，真的变得更加栩栩如生。画家对每一种造型都有如此高的要求，但他们的生命能量是有限的，所以中国画家有专攻一科的传统。有的擅长花鸟，有的擅长山水，有的擅长人物，有的擅长几种花鸟，有的甚至只专攻一种。比如韩干的《马》，戴嵩的《牛》，易元吉的《猿》。专攻一门学科是对这门学科更深层次的修养，而不仅仅是一门学科。如果他只会画马，他画的马就不会很聪明。中国画长期以来被划分为不同的学科。大家发挥所长，专攻一科，形成了中国画题材和内容上的百花齐放。由于表现方法的不同，他们创造了各种风格，成为中国画的百家争鸣。比如都是花鸟画，齐白石的写意水墨画，于非闇的重彩工笔画。他们的风格迥异，但各有所爱。唐代，李思训和吴道子在大同殿的墙壁上画了同样主题的嘉陵江景观。李思训画了三个月，吴道子画了一天，也是欣赏。明代的仇十洲和陈老莲都以人物画著称。两人都画《西厢记》插图，复仇技法柔和，陈技法呆板。
第三，虚拟现实，虚拟现实。
中国画审美体系的形成和发展与中国哲学思想密切相关并受其支配，其中的“虚实”、“疏密”、“数白为黑”、“天人合一”等思想都带有浓厚的道家色彩。老子:“世间万物皆生于有，而生于无”。“存在”是宇宙的实体。在国画里，就是真实，有笔墨。“无”是宇宙的空空间，在中国画中是虚处，也就是空的白处，是笔墨清淡空灵的地方。“虚拟”与“现实”是一对既对立又统一的矛盾体。没有空，就没有实，没有实，就没有空。清初画家笪重光在《画篮》中说:“空原画难，实景清晰空景现。上帝不会画画，现实世界逼着他出生。虚与实，无画是妙处。”在中国画中，应该既有真实的地方，也有想象的地方。绘画中的想象与现实相辅相成，相互依存。要让虚处空有灵性，单从虚处求，无异于缘木求鱼。老子说:“知白而守黑。”也就是说，要写实，着眼于空白的“空”，立足于笔墨的“实”。以白为黑，知白保黑，是中国古典哲学和传统画论中虚实结合的辩证原则。
中国画的脊梁是“线”。通过线条的强弱、平直、长短、粗细、明暗、虚实、转折等变化。，把图形、肌理、动势的复杂关系表现出来，形成一个完整的形态。在人物画中，有所谓的“十八笔”，是历代画家创造的线条类型，如游丝、铁线、兰叶、地龙等。这只是指可以和实物相比的部分。线型的变化不止十八笔。有人说，在欧洲文艺复兴之前，绘画也是用线条来表现物体的。他们认为线条不应该被视为中国造型的特点，而是一种落后的方式。持这种观点的人认为欧洲绘画在文艺复兴之后早就抛弃了线条，那种线条是过时落后的东西。从这个逻辑出发，雕版印刷产生的木刻艺术早就应该在这个摄影时代被淘汰，但木刻艺术却在按照自己的轨迹发展。
四、以大视野，散视角。
西洋画采用焦点透视法。简单来说就是大与小的距离消失在极远的一点上。而中国画采用的是散点透视法。画家的观察点不是固定在一个地方，也不受视野的限制。而是根据需要，他移动自己的立足点进行观察。他在不同立足点上看到的可以组织成自己的画面。这种透视法也叫“移动视点”。
一种艺术的发展，除了时间因素，还与它的特殊表现和产生这种艺术的民族的特点密切相关，如果去掉这两个因素，那么就只能有一种绘画，油画和国画、漫画和木刻没有区别。
“线”作为中国画的基本语言，在历代画家的创作中得到了高度发展。“线”早已脱离了最初只展现形象外部轮廓的状态。一个完整生动的形象必然是“形、质、动”的有机联系。所以“线”的作用除了表现出准确的结构外，就是充分表现出形象的质感和运动。严格来说，中国画的每一行都要同时表达“形、质、动”的综合效果。没有很高的艺术功底是不容易做到的。唐代大画家吴道子创作的人物被称为“吴黛当风”，说吴人物的衣服有迎风飘扬的感觉，说吴画山水“如骤雨、雷雨”。可想而知，吴道子作品中的台词真的达到了一种变化巨大，气势磅礴的境界。
除“线”法外，还有“寸”、“抹”、“点”、“染”等其他笔触。在山水画中，由于山势、石形、土质的变化，画家创造了“裹麻”、“抛柴”、“鬼面”、“斧劈”等“揉法”。“擦”和“点”是画块墨或色时的一种笔法。“染色”是使用湿墨或染色的方法。人物画的“开脸”，花鸟画的色彩设置，山水画的阴阳远近，都需要用染色来丰富形象的体量和色感。
果早春兔
中国画的雕刻技法讲究笔墨，笔法和笔墨是连在一起的。在用笔的变化中，即在用线、用笔、用点、用染等笔法时，必须使用正确的墨色变化，才能充分表现形象。笔墨的关系，在某种程度上，就像是血肉的关系。一支没有墨水的笔就像一个瘦骨嶙峋的人，一支没有墨水的笔就像一个大胖子，不健康。
一般水墨是山水画的主心骨，很少用浓墨。水墨画，就单纯用墨水的色彩变化来表达色彩。在花鸟画中，在写意特别发达的现代，画家也喜欢单独使用墨色。即使他们使用颜色，他们也认为颜色在整个绘画中是无色的。只有在需要的地方染成需要的颜色，才能发挥色彩效果。齐白石的芍药，枝叶用墨，花头用色，这样就减少了绿叶的色感，让红花特别鲜艳。
剑南天春风图
五、诗歌、书法和印刷，综合艺术
绘画、书法和印章的结合是中国画独特的艺术形式。它融合了各种艺术，相互辉映，大大增加了中国画的艺术广度和深度，使中国画成为一门综合艺术，这是西洋画所没有的。
但也有以色彩为主干的作品，如唐代李思训的金碧山水，清代云南天(云)的“无骨”花卉。几乎看不到墨迹。第二届全国展览中的一些花鸟画，如王个簃的《花瓶》、田世光的《牡丹》，可以说在色彩效果上发挥了前所未有的作用。山水画家为了表现祖国的自然美，刻意强调色彩的感觉，出现了许多以色彩为主调的作品，如吴敬亭的略阳山城，何的七里龙秋色等等。这些作品反映了时代的情怀，同时也说明了中国画的多样性。
何七里龙秋色(拍品)
色彩的浓淡，主要是个人风格的表现。牡丹可以画成五彩缤纷、光彩夺目的颜色，也可以画成水墨，淡雅宜人。如果你不喜欢浓墨或淡墨，那是你的个人爱好。不能把浓墨贬低为“媚俗”，也不能把淡墨贬低为“失真”。题材上百花齐放，风格上百家争鸣，才能符合今天广大人民的要求。
中国画的长短和风格有很多变化。最常见的是竖轴和横帷，小的是画册页和手卷。此外，还有“透景”、“屏条”、“镜心”、“扇形”等样式。在古代，大型作品不仅画在寺庙和宫殿的墙上，也画在可移动的屏幕上。中国画家不仅能在规定的篇幅中管理规定的题材，还能在不同的篇幅中安排同一题材。中国画家在“管理岗位”也就是构图上有很强的适应性。
费新我刺绣图画书(很多)
中国画的构图方法在运用“透视”物理方面有很大的灵活性。如果局限于固定视界的摄影焦点透视法，无法表现出山水画中的平距、远距、高远等不同的距离法。因为人的身高只有一米多一点，所以视野很低。只要眼前有东西，不管视野如何，你都无法全面地看到它。然而，美丽的风景往往是“山穷水尽无路可走，黑暗中却有另一个村庄”。只有当人们走在其中或从高处观看时，才能欣赏到它的美。因此，中国画家创造了运动透视(或散点透视)和“以大见小”(或鸟瞰)的构图来处理这类题材。画中的人物运用艺术技巧完美地展现了现实的风景。如果不能在摄影处理上有所突破，就不会令人满意。
敦煌的古典壁画构图和一般的长卷构图，巧妙地将不同空时代、不同时段的事物组织成一幅统一的画面，从视觉欲望上满足了人们“求完美”的要求。这是一个惊人的创造。第二届全国美展有两幅作品:一幅是黎雄才的《武汉防洪图》，描绘了1954年武汉人民与长江抗争的伟大场景，犹如一个惊心动魄的史诗故事；另一幅是费新我的《绣图》，描写的是苏州女绣厂的情况，却像一首清脆悠扬的民间小调。这两部引人入胜的作品成功的重要因素之一是传统作曲技法的应用。
南宋马援汉阳河独一无二的渔图
使用空白色是中国画艺术技巧的另一个特点。我们知道，画家的“商位”主要是基于对题材内容的要求，决定了主从关系、呼应、远近、对比等等。但要表现这些关系，在于构图的复杂与简单，现实与虚构的共存，黑白的对比。空白的运用就是为了调整这些关系，让画面有节奏感，变化多，有装饰性。空白色用得好，可以让鉴赏家发挥想象力。马援的《寒江独钓》只画了一片空白里的一只船和一个渔夫。虽然画面上没有明显的水线，但在我们的视野中似乎有一条浩瀚的河流，感觉冰冷，满是纸。这就是所谓的“意不写”的作用。花鸟画中的空白色使色彩特别鲜艳，形象特别突出。山脚下有一朵白云，显出山脚下的树梢，又显出前后的高低。在构图中巧妙地运用空白，是中国画家的杰出成就。
本文从造型、笔墨、构图等方面简要介绍了中国画的表现手法，是个人在创作实践中的粗浅认识，提出来供欣赏中国画时参考。
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